Como eu faço os meus desenhos? Pensando um pouco sobre o meu processo com arte digital e com arte tradicional

 

Minha folha de "rascunhos"

Como eu costumo desenhar? Esta foi a pergunta que eu me fiz essa semana, enquanto eu pintava uma aquarela de cogumelos. O desenho ainda está no meio do caminho, mas a pergunta me fez ter a ideia de pensar sobre o assunto e escrever este post.

Todos os meus desenhos começam com um rascunho a lápis. Não importa se eu pintarei com aquarela ou se ele se tornará uma arte digital, todos os meus desenhos começam com um papel e um lápis.

Depois do rascunho pronto, eu decido se ele vai ser pintado manualmente ou digitalmente. Se ele for se tornar uma arte digital, eu faço o contorno com caneta (ink) no desenho; em seguida, ele é escaneado, transformado em vetor e depois colorido digitalmente. Caso ele seja pintado manualmente, eu começo o processo de pintura da base das cores e, ao final disso, eu costumo fazer o contorno.

Acho que essa é a diferença básica entre arte digital e arte tradicional para mim: na arte digital, eu faço o contorno antes da cor base; mas na arte tradicional, como a aquarela, por exemplo, eu faço o contorno no final.

E por que eu faço isso?

Quando eu uso aquarela, por exemplo, eu misturo muitas cores no processo, e o contorno limita um pouco essa mistura. Por isso, é mais lógico terminar o desenho com o contorno. Já na arte digital, eu penso em camadas de cores e não em mistura. Por isso, o contorno funciona tão bem no início do processo.

Quando eu desenhava sem usar cores, a parte de “colorir” o desenho, digamos assim, era feita com um detalhamento muito maior. Então, mesmo com desenhos em preto e branco, eles tinham muitas texturas que criavam a sensação de sombra e profundidade.

Foi interessante pensar um pouco sobre o meu processo, pois isso me faz entender o motivo de cada passo dentro dos desenhos. Conhecendo esses passos, eu posso, com muito mais consciência, mudar a ordem, experimentar novos processos só para ver o que acontece.

Esse post, além de me ajudar a enxergar com mais detalhe o meu processo, me ajuda a simplesmente ilustrar que, dentro da arte, se conhecer pode ser a nossa melhor ferramenta. Apenas dessa forma podemos criar liberdade para mudar o nosso próprio processo e descobrir coisas novas.

Por hoje é isso.

Até a próxima,

Thaís Melo

O que desenhar em semanas de branco criativo?

 

Aquarela Cogumelo Azul 

Existem aqueles ciclos em que você não consegue parar de usar um certo material, uma técnica nova que não sai da sua cabeça, ou talvez seja um tema específico que fica retornando aos seus desenhos. Mas também existem momentos em que você não sabe ao certo o que desenhar. Como tudo na vida, desenhar envolve ciclos: ciclos de muita produtividade e ciclos de puro silêncio. E, antes de mais nada, isso é mais do que normal.

Esta semana eu diria que foi uma semana de silêncio criativo para mim. Eu não tive muitas ideias e, por mais incômodo que isso seja, o importante é apenas desenhar alguma coisa e seguir em frente. Algo que eu aprendi com o tempo é que desenhar, antes de mais nada, é treino. Por isso, a lição mais importante que eu aprendi é não levar os meus desenhos muito a sério, no sentido de que eles não precisam ser perfeitos. Vai haver desenhos de cujo resultado eu vou gostar e vai haver desenhos de que eu não vou gostar, e tudo bem. O mais importante para mim é continuar criando, independente do resultado.

Então, o que fazer em semanas de branco criativo?

 

Apenas continue desenhando.

Para mim, o que melhor funciona é começar com um desenho simples e sem rascunhos. Por exemplo, esta semana eu queria voltar a desenhar cogumelos, mas eu não estava conseguindo criar um rascunho de que eu gostasse. Eu parei o desenho e comecei a pintar um cogumelo livremente com aquarela. Apenas misturando as cores, sem pensar muito no desenho final. O resultado foi um cogumelo azul pintado com aquarela. O desenho desta semana foi do jeito que eu imaginava? Não. Mas eu fiquei feliz de ter desenhado algo. Desde que eu criei um compromisso comigo mesma de desenhar algo toda semana, ter um progresso pequeno é muito melhor do que simplesmente não fazer progresso nenhum.

É muito fácil a gente pensar apenas no resultado, principalmente nos dias atuais, em que tudo tem que ser perfeito e “para ontem”. Mas desenhar, independente da mídia que você use, é um processo. E, como todo processo, ele precisa ser respeitado. Então, na próxima vez em que você estiver sem ideias, apenas desenhe. Livremente. E continue assim, até o próximo ciclo chegar.

Até a próxima,

Thaís Melo

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Fan Art - Stardew Valley

 

O lápis de cor foi um dos primeiros materiais que usei quando comecei a desenhar. Na época, era muito comum o uso de lápis de cor aquareláveis e, por muito tempo, essa foi a forma de colorir que eu mais utilizava. Por mais que eles fossem úteis e práticos, eu achava o lápis de cor um pouco limitado. Eu não gostava de como ele deixava marcas de traço no papel e, por mais que eu tentasse, não conseguia fazer um efeito de sombra como eu queria. Por conta disso, eu acreditava que o problema era o lápis de cor, mas hoje percebo que o problema era que eu não sabia usá-lo e, assim, não descobri naquela época todo o seu potencial.

O tempo passou, eu experimentei várias mídias diferentes e, no ano passado, comecei a incorporar cada vez mais o lápis de cor nos meus desenhos. Eu adoro o efeito que ele dá, principalmente quando o uso junto com a aquarela. Mas, afinal, o que mudou? Mesmo que os lápis não sejam os mesmos, eu aprendi que, com alguns truques, podemos deixar a pintura com lápis de cor muito bonita e repleta de sombras e texturas.

 

Três dicas simples para pintar melhor com lápis de cor

 

Sempre comece a pintar do mais claro para o mais escuro

Eu consegui entender melhor esse “conceito”, digamos assim, depois que comecei a pintar com aquarela. Quando uso aquarela, preciso começar a pintura com cores mais claras (e diluídas) e depois seguir para os tons mais escuros. Caso contrário, é quase impossível inverter essa ordem sem prejudicar o resultado final. Com o lápis de cor acontece exatamente o mesmo. Eu começo o desenho com as cores claras e a mão super leve, para depois acrescentar os tons mais escuros, misturando as cores. Dessa forma, consigo criar o efeito de luz e sombra que eu tanto queria e não sabia como fazer.

 

Exemplos de como misturar cores com o lápis de cor

 

Não tenha medo de misturar as cores

“Não tenha medo de misturar cores” se tornou o meu novo lema. Essa é a melhor forma de criar tons no desenho. Sabe aquela linda transição de uma cor para outra? Nós podemos conseguir esse efeito apenas misturando as cores. Como eu faço isso? Eu escolho três cores (pelo menos) da mesma “família”: uma clara, uma média e uma mais escura. Começo pintando com a mais clara, depois acrescento a cor média e finalizo com a mais escura por cima. Muitas vezes, você consegue o mesmo efeito usando o mesmo lápis, apenas alterando a força ao colorir. Quando eu misturo cores que combinam, o efeito fica muito bonito e eu gosto bastante do resultado. Eu adoro misturar, por exemplo, tons de azul com rosa ou lilás, amarelos com laranjas e marrons, ou verdes com azul.

Se você não quer textura, use uma folha de papel lisa

Quando comecei a desenhar, qualquer textura diferente no desenho me incomodava muito. Uma parte de mim pensava que essas texturas não eram “profissionais”. Hoje em dia, penso diferente: vejo pequenas texturas e detalhes como personalidade do desenho. Mas, mesmo gostando bastante desses pequenos detalhes, eu entendo que em alguns momentos tudo o que queremos é um desenho com cores bem uniformes. E, com o lápis de cor, a melhor forma de fazer isso é usar uma folha de papel lisa, sem nenhuma textura. O efeito das sombras fica super homogêneo e o resultado é muito bonito. Apenas tome cuidado para não apagar muito o papel no momento de fazer o rascunho do desenho. Folhas lisas costumam marcar com muita facilidade e, ao passar o lápis de cor, as linhas marcadas no papel aparecem como que num passe de mágica. Por isso, use a mão leve e um lápis macio, que costuma não marcar muito o papel.

Dica extra: finalize com lápis de cor branco ou use um esfuminho

Eu sempre me perguntei: mas por que colocar um lápis branco na caixa de lápis de cor?! E agora eu sei a resposta. Ele serve para misturar as cores, e não para colorir de fato. Pintou usando as suas três cores e quer finalizar o desenho? Passe o lápis branco por cima e observe o resultado! Outra ferramenta que me ajuda muito a deixar o desenho sem marcas e a misturar as cores é o esfuminho. Para quem não conhece, o esfuminho parece um palito e eu acho que ele é feito de papel. O objetivo dele é esfumar o traço, criando sombras e diversos efeitos diferentes. Ele é muito usado em desenhos realistas e eu adoro usá-lo para misturar as cores com lápis de cor. Para usá-lo, basta passá-lo por cima da parte desejada e pronto. Mas, se você não tiver lápis branco ou esfuminho, um cotonete ou um pedacinho de algodão já ajuda bastante 😉

Essas foram as minhas três dicas para pintar com lápis de cor! Eu sinto que ainda tenho muito o que explorar usando esse material, mas por hoje é isso. Nos vemos no próximo desenho.

Até a próxima,

Thaís Melo

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Três formas de deixar os seus exercícios para desenho mais divertida

 

Exercícios para desenho com papel quadriculado

Particularmente, eu nunca fui muito fã de fazer exercícios para “melhorar” o meu traço. Honestamente, eu achava esses exercícios uma tarefa chata e muito repetitiva; além do mais, eu detestava “gastar” material fazendo exercícios ao invés de estar trabalhando em um desenho de fato. Mas isso não significa que esses exercícios não sejam importantes na hora de desenhar. Exercícios de desenho ajudam a melhorar o meu traço e, consequentemente, melhoram o resultado final dos meus desenhos. Então, ao invés de reclamar na hora de repetir traços aleatoriamente, eu criei três estratégias que me fazem querer fazer esses exercícios, sem parecer exercícios de fato.

“Aquecer a mão” antes de desenhar

A prática que mudou muita coisa para mim foi “aquecer” a mão antes de começar um desenho. O que seria isso na prática? Seria fazer alguns desenhos mais simples antes de começar algum desenho. Isso de fato ajuda, pois deixa a mão mais “solta” e o traço fica mais fluido. Isso me ajuda muito, principalmente quando eu vou fazer um desenho com ink, por exemplo, que naturalmente é um tipo de desenho em que o traço influencia muito no resultado final.

 

Exercícios para desenho usando folha A4

 

A técnica da folha de papel A4

Outra maneira de fazer isso sem sentir que está fazendo um exercício de desenho é desenhar pequenos desenhos aleatórios em um papel antes de começar. Eu, por exemplo, tenho uma folha de papel A4 voltada para desenhos aleatórios. Nessa folha eu rabisco, faço desenhos mais rápidos e, assim, além de exercitar o meu traço, eu acabo aquecendo a mão e, algumas vezes, crio sem querer um desenho completo. É uma prática que eu uso bastante e costumo ter uma folha A4 por semana. Algumas vezes eu uso mais de uma folha, outras eu nem completo uma folha, mas o mais importante aqui é fazer um desenho rápido antes de começar um desenho mais detalhado.

 

Exercícios para desenho com papel quadriculado

 

Papel quadriculado pode ser o seu melhor amigo

Outro grande aliado na hora de fazer exercícios para desenho é usar papel quadriculado. Eu gosto muito de desenhar com ink e canetas e, para esse tipo de desenho, praticar o meu traço se tornou uma parte importante do processo. Usar o papel quadriculado, além de criar mais estrutura na hora de repetir o mesmo traço, me permite fazer pequenas “estampas” no papel, algo que deixa todo o exercício mais lúdico e divertido.

Essas são as três formas que eu faço exercícios para desenho e que não me fazem sentir que estou fazendo exercícios. Eu não uso todos eles ao mesmo tempo; existem semanas em que estou trabalhando mais com ink, então eu uso mais o papel quadriculado. Nas semanas em que eu trabalho mais com aquarela, eu prefiro usar o método da folha A4 e, assim, sigo usando o que for melhor para mim.

Mesmo que não seja a minha parte favorita na hora de desenhar, com o tempo eu percebo que praticar é muito importante. Então, por que não deixar essa parte do processo um pouco mais divertida?

Até a próxima,

Thaís Melo

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Primeiro desenho de 2026 – Cogumelos, aquarela e lápis de cor

 

Aquarela Cogumelos Coloridos - 2026

  

Começo este post desejando um criativo 2026 para todos! Que seja um ano com muitas ideias, cores e descobertas para todos nós.

Em 2025, meu trabalho se dividiu entre aquarelas, arte digital e muitos cogumelos. Eu não sei se já comentei isso por aqui, mas eu adoro desenhar cogumelos! Eles são divertidos e me permitem criar livremente, sem me prender muito a cores e padrões “reais”. Além disso, usar um traço mais orgânico misturado à aquarela e ao lápis de cor para dar acabamento resultou em algo que eu tenho gostado bastante.

O primeiro desenho do ano seguiu a temática que me guiou durante toda a segunda metade de 2025: cogumelos. Para essa aquarela A4, eu misturei a aquarela Pentel com a aquarela Artools. Tenho gostado bastante de combinar essas duas paletas, pois consigo um efeito diferente ao misturar tons um pouco mais quentes na base do desenho com tons mais frios e quase neons, criando um efeito de brilho. Para finalizar, usei tinta acrílica branca com efeito fosco e fiz o contorno e o sombreamento com lápis de cor. O resultado foi uma aquarela lúdica e muito colorida.

Um feliz e criativo 2026!

Nos vemos no próximo desenho =)

Até a próxima,
Thaís Melo

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Aquarela - Parte I - Um Guia Básico com Técnicas, Dicas e Mitos Desvendados

 

O processo do desenho O jardim feito com aquarela, nanquim e lápis de cor

Como não se encantar pela aquarela?!

Além de ser uma forma de pintura lúdica, ela é também um material muito versátil. Você pode usá-la de diversas formas: mais seca e concentrada ou com muita água; apenas a aquarela ou combinada com outras técnicas de pintura. Mas, independentemente da forma como você a utiliza, no post de hoje eu vou contar um pouquinho sobre como uso a aquarela nos meus desenhos e desmistificar alguns "mitos" sobre essa técnica tão especial.

O que é a aquarela?

Aquarela é uma técnica em que se mistura água com tinta própria para criar pinturas e desenhos. Diferentemente da tinta a óleo, por exemplo, que exige solventes para ser diluída, na aquarela você só precisa de água limpa para diluí-la e criar diversos efeitos no papel.

Quais as principais técnicas usadas na aquarela? Wet to Dry e Wet to Wet

Existem diversas formas de trabalhar com a aquarela, e cada artista desenvolve sua própria técnica. No entanto, há dois conceitos básicos que influenciam bastante as escolhas: Wet to Dry e Wet to Wet.

Esses conceitos dizem respeito à quantidade de água usada e, principalmente, se o papel estará molhado ou seco durante a pintura. Como o próprio nome sugere:

Wet to Dry (molhado para seco): você pinta com o papel seco.

Wet to Wet (molhado para molhado): a aquarela é aplicada no papel previamente molhado.

A principal diferença está no controle que você tem durante a pintura e no resultado que deseja alcançar.

Se você é iniciante, sugiro começar com a técnica Wet to Dry. Como o papel está seco, é mais fácil controlar as áreas a serem pintadas. Quando o papel está molhado, a aquarela se torna mais "dinâmica", o que pode ser desafiador no início, resultando em cores misturadas e um aspecto confuso. Conforme você ganha confiança, a técnica Wet to Wet pode criar efeitos belíssimos!

Eu, particularmente, prefiro usar Wet to Dry, pois gosto de ter mais controle sobre o desenho, o que combina mais com o meu estilo de colorir. Mas isso não me impede de experimentar e me divertir com Wet to Wet. 😉

Os 3 principais "mitos" da aquarela

Mito número 1 - Eu preciso usar papel de aquarela para pintar?

Sim, o papel de aquarela é necessário, pois suporta a quantidade de água utilizada nessa técnica. Papéis comuns tendem a rasgar ou deformar ao secar.

Se você usar a técnica Wet to Dry e pouca água, pode até utilizar um papel de desenho, mas as chances de deformação são altas. Como blocos de papel para aquarela costumam ser mais caros, sugiro começar com desenhos menores, cortando as folhas ao meio. Assim, em vez de 12 folhas (normalmente a quantidade em um bloco), você terá 24!

Mito número 2 - Não se usa a cor preta em pinturas com aquarela.

Depende. Isso varia conforme o estilo e a abordagem do artista. Eu, por exemplo, uso bastante preto para sombreamento, pois ele dá dimensão aos meus desenhos. Porém, é uma cor que exige cuidado: por ser mais escura, pode manchar o desenho se usada em excesso. Comece com leves camadas e teste em um pedaço de papel antes de aplicá-la. Outra dica é misturá-la com outros tons para escurecê-los, em vez de usar o preto puro.

Mito número 3 - Não é preciso esperar a pintura secar para criar mais camadas.

Mentira! Para obter os melhores resultados, o ideal é esperar o papel secar completamente entre as camadas. Caso contrário, o desenho pode manchar.

Pinte uma camada e deixe secar. Algumas pessoas usam secador de cabelo, mas eu prefiro deixar secar naturalmente. Quanto mais água for utilizada, maior deve ser o intervalo de secagem.

Para saber se o papel está seco, toque-o com os dedos (frente e verso). Se sentir que ele está frio, ainda há umidade, mesmo que pareça seco. Esse cuidado evita manchas e mantém a qualidade da pintura.

Por hoje é isso! Espero que essas dicas te ajudem a aprimorar sua técnica com aquarela. No próximo post, falarei sobre como uso lápis de cor para dar mais destaque aos meus desenhos com aquarela.

Até a próxima!

Voltando à Arte Tradicional: Minha Experiência com Desenhos em Tamanho A3

Ilustração A Floresta

Depois de cerca de um ano me dedicando à arte digital, decidi voltar a fazer arte tradicional — e, desta vez, criei desenhos em tamanhos maiores!

Foi a primeira vez que trabalhei em um desenho no tamanho A3, e posso dizer que foi um verdadeiro desafio. A dificuldade não estava apenas no tamanho do papel, mas também no tempo necessário para finalizar a obra. Se antes, com o tamanho A4, eu levava alguns dias para completar o processo (rascunho, contorno, pintura e cores), desta vez, precisei de quase um mês para finalizar cada etapa!

Detalhes - Lápis de cor + Aquarela + Pastel a óleo

Na prática, percebi que enquanto em desenhos menores preciso ser mais concisa nas ideias, uma folha A3 oferece mais possibilidades. Por isso, dediquei muito mais tempo ao rascunho, buscando elementos que enriqueceriam a composição. Escolhi como tema cogumelos e plantas com um toque surreal e fantasioso. A ideia era criar um fundo em nanquim, com cores contrastantes e detalhes em branco para dar luminosidade ao desenho.

Neste trabalho, aproveitei para experimentar cores com três materiais diferentes: aquarela, lápis de cor e pastel a óleo. Usei a aquarela como cor de fundo, bem diluída, para um tom suave e menos saturado. Em seguida, o lápis de cor trouxe mais sombra e profundidade. Já o pastel a óleo foi aplicado pontualmente, trazendo brilho em algumas áreas e criando sombras esfumadas atrás de certos elementos. Finalizei com caneta em gel branca para pequenos detalhes e brilhos.

Cogumelos! A minha parte favorita =)

Minha parte favorita foi incorporar o preto nos detalhes! Após finalizar as cores, usei lápis preto esfumado em diversas áreas para criar sombras e dar mais profundidade ao desenho. Eu amo usar preto nas minhas obras pelo contraste e pela profundidade que ele pode adicionar, especialmente quando aplicado sobre outras cores. Foi uma experiência incrível — e sim, que venham mais desenhos em tamanhos maiores!

Até a próxima,

Thaís Melo

"De tudo um pouco". A frase que descreveria 2022

 

O sapo, o peixe e o vale das flores dançantes

Chegamos em 2022 e esse foi um ano com muitas experimentações! Eu fiz um curso sobre arte abstrata e com isso, passei alguns meses experimento tintas e telas. 

No final do ano, eu comecei a fazer arte digital. Duas coisas completamente diferentes e novas para mim, mas que influenciaram muito o meu ano de 2023!

Totoro + Sonic Youth

Um dos meus primeiros vetores!

"De tudo um pouco". A frase que descreveria 2022. O ano de desenhos surrealistas, tinta acrílica, meus primeiros vetores inspirados no Tibbers, o gato de estimação do meu irmão. E é claro, com um pouco de Tororo e Sonic Youth também =)

Até a próxima,

Thaís

Surrealismo, ovos com pernas e um pouco de cores: Desenhos de 2021

 

Inktober 52 - Ovo

Tem sido interessante separar os meus desenhos para esses posts e observar o caminho que eles foram tomando ao longo dos anos. 

Trechos - Zine Free - Volume 1

Zine Free - Volume 1

Em 2021 eu comecei a usar mais cores e percebi uma forte tendência em desenhar temas absurdos com um "toque" de surrealismo. Foi em 2021 que criei a minha primeira zine, chamada Free. Uma mistura de desenhos com letras de música. Para quem ficou curioso, a zine está disponível, no Colab55. 

Aos poucos, eu vou chegando mais perto de começar a criar arte digital. Mas isso é assunto para 2022 ;)

Até a próxima,

Thaís

Um feliz 2024 com muitos desenhos para mostrar =)

Inktober 2020

Um feliz e criativo ano novo para todos! 2024 está começando eu resolvi fazer um resumo dos meus desenhos favoritos dos últimos 3 anos! Para começar essa série, um resumo do ano de 2020.

Cartas de Tarot 

2020 foi um ano desafiador para todos nós, mas para mim, foi também o ano em que eu mergulhei nos meus desenhos. Eu ainda não criava arte digital e é por isso que quase todos os meus desenhos dessa época são em preto e branco feitos com ink. Tenho muito carinho pela série de cartas de tarot e pelo Inktober daquele ano. Alguns dos meus trabalhos favoritos até hoje, foram desenhados durante esse período.

Inktober 2020

Ilustração Desejo de Natal

Inktober 2020

Aos poucos eu tenho digitalizado alguns desses trabalhos e eles estão ganhando também um pouco de cor. No ano passado algumas cartas de tarot já apareceram no meu instagram e espero em breve ter mais coisas para mostrar. É um projeto a longo prazo, sem uma data limite para terminar ...

Um ótimo comecinho de ano para todos e até a próxima,

Thaís

Corações Selvagens: Uma mistura de biscuit e aquarela

Eu sei que já postei o resumo dos meus desenhos favoritos do ano, mas eu não podia deixar 2023 acabar sem falar um pouco dos meus Corações Selvagens!

Enfeite de parede Coração Selvagem

É muito curioso como certas coisas vão tomando forma com o passar do tempo, e o resultado é completamente diferente do que se imaginava.

Tenho comentado sobre as minhas miniaturas e cogumelos, e tenho que dizer: tem sido uma aventura! Tudo começou com miniaturas de comida, e agora o biscuit começa a ganhar novas formas. Talvez eu esteja voltando para o bom e velho surrealismo, mas o que sei é que passei o mês de novembro moldando Corações Selvagens! Corações feitos em biscuit e pintados com aquarela. Uma mistura de cogumelos, colmeias e outras formas cheias de cor e muita personalidade.

Ilustração Coração Selvagem

Pela primeira vez, fiz uma ilustração inspirada nas minhas esculturas! Depois de um 2023 com muita arte digital, é muito bom se perder nas cores da aquarela.

Para saber mais, basta visitar a minha loja no Elo7 ;)

Até a próxima,

Thaís

Favoritos de #2023

Num piscar de olhos, 2023 chegou ao fim. Está na hora de fazer um pequeno resumo dos meus desenhos favoritos do ano!

Depois me contem se os favoritos de vocês foram os mesmos que os meus. Muito obrigada pela companhia este ano e nos vemos em 2024!

Um criativo 2024 para todos!

Até a próxima,

Thaís

Desenhos de Outubro

 

Eat - Sleep - Van Gogh

Ginger or Treats

It's the Great Pumpkin

Floresta de Cogumelos

Em outubro tivemos cogumelos, bruxas, biscoitos de gengibre e Van Gogh!

Um criativo mês de novembro para todos =)

Até a próxima,

Thaís

Desenhos do mês de agosto

O mês de agosto está quase no fim e eu resolvi fazer um pequeno resumo dos desenhos do último mês.

It's Always Tea Time

Eu adorei fazer esse desenho! Eu queria desenhar algo divertido e que tivesse cogumelos envolvidos. Eu acho cogumelos extramente fotogênicos e é por isso eu adoro desenhá-los. Para terminar de compor o desenho, chá e um simpático gnomo. A idéia original seria em tons de outono (laranja, vermelho e marrom), mas na última hora, eu decidi escolher um caminho mais colorido e acho que foi o caminho certo.

Sumwerween

Esse foi um daqueles desenhos que eu não tive nenhum esforço para criá-lo. Ele surgiu na minha mente quando eu vi o tema Summerween como um dos concursos do mês de agosto do Threadless. Eu adorei o resultado final, principalmente o fantasminha de óculos escuros e chapéu de bruxa! Esse também foi um desenho interessante, pois foi o primeiro desenho que eu fiz a fonte no Inkscape e não no Gimp, como eu costumo fazer. Desde então, eu tenho preferido fazer as fontes via Inkscape. É muito mais intuitivo e eu tenho gostado bastante do resultado.

Dia do folclore

No começo do ano, eu me tornei voluntária na Biblioteca municipal Machado de Assis, para criar desenhos relativos ao universo da literatura em algumas datas significativas. Este mês o Dia do Folclore foi o tema escolhido. Foi muito bom relembrar e aprender um pouco mais sobre o folclore brasileiro. 

Esse foi o resumo do mês de agosto! Setembro para mim significa a chegada da primavera e os preparativos para o Inktober que começa em outubro. Desde de 2020 eu não consigo terminar o desafio, mas isso é assunto para um outro post.

Uma criativa semana para todos e até a próxima!

Desenho, evolução e 6 dicas para lidar com a frustração na hora de desenhar

Ilustração Coffee Coffee Coffee versão 2023

Eu comecei a desenhar quando eu era criança e naquela época, eu acreditava que existiam dois tipos de pessoas: As que sabiam desenhar e as que não sabiam. Eu sempre tive facilidade com o desenho, mas ter facilidade não significa que você desenhará facilmente qualquer coisa que surgir na sua frente.

Por muito tempo isso me causou muita frustração. Como toda pessoa que está aprendendo algo novo, errar faz parte do caminho e minha versão mais nova achava que desenhar significava uma única coisa: desenhar sem errar. Infelizmente, uma parte minha não conseguia entender que para tudo que nos propusermos a fazer, precisamos de muito treino e esforço, e isso significa muito erro.

Hoje em dia eu ainda lido com a frustração de errar, mas entendo que por mais chato que isso seja, faz parte do processo. E além do mais, quanto mais eu erro, mais curto se torna o caminho para aprender algo novo e chegar ao resultado que eu tenho na minha mente.

Nos últimos dias eu revi os primeiros trabalhos com arte digital que eu fiz em julho de 2022. Há exatamente um ano, eu começava a trilhar o meu caminho com arte digital e levei um pequeno susto ao abrir aqueles primeiros desenhos e perceber o quanto o meu trabalho com arte digital evoluiu. Eu fiquei muito feliz por não ter desistido durante as primeiras frustrações e ter continuado. De lá para cá foram muitos erros, acertos e testes para chegar num tipo de arte digital que eu goste de fazer. Como eu comentei no último post, eu gosto muito de arte tradicional e começar a criar arte digital foi um grande passo para mim. Um passo incrível que tem me ensinado bastante.

Eu acredito que um dos motivos que nos causam tanta frustração é o fato de olharmos o trabalho de alguém e vermos apenas aquele momento, e não pensamos em todos os erros e acertos que aquela pessoa passou até chegar ali. Mesmo que nós não percebemos, a gente sempre evolui e só precisamos seguir em frente. Isso é um grande lembrete para aqueles dias onde nada parece dar certo e só temos vontade de jogar tudo para o alto. Tudo passa e para momentos assim eu separei algumas dicas do que eu faço nos meus dias frustrados que me ajudam muito a continuar desenhando.

Versão 2022

Olhe para sua obra de um ano atrás e estude a sua evolução

Essa foi a minha grande lição do mês de julho! Agora sempre que eu me sentir empacada ou frustrada com algum desenho, eu vou olhar a pasta de desenhos de um ano atrás e estudar em que pontos o meu desenho evoluiu. Eu aprendi a fazer sombras? Os detalhes estão mais complexos? O que eu estou fazendo agora e não fazia antes? Esse tipo de perspectiva é capaz de nos tirar da estática e nos fazer nos sentir mais confortáveis com a nossa evolução. 

Pare, respire e tome uma xícara de chá (ou café se você é do time do café)

Muitas vezes a melhor coisa a fazer é parar. Deixar o desenho de lado e fazer outra coisa é a melhor forma da mente descansar e conseguir lidar com algum problema. Para mim, a melhor forma de lidar com dias difíceis é parar, respirar e tomar um pouco de chá. Segurar um xícara quentinha é algo muito reconfortante e sempre me ajuda a relaxar.

Tenha mais de um projeto por vez

Eu não consigo fazer apenas uma coisa de cada vez. Eu estou sempre com vários projetos em andamento. Às vezes são vários desenhos que estou fazendo ao mesmo tempo ou estou trabalhando numa nova série de miniaturas, mas independente do que for, vários projetos me permite mudar de foco quando um dos projetos está me dando um pouco de dor de cabeça.  Tudo é bem simples: Se um desenho não está fluindo naquele dia, basta eu parar, respirar e tomar a minha xícara de chá, e logo depois começar a olhar um outro desenho. Isso sempre funciona comigo e quando eu volto ao desenho “problemático”, tudo se resolve com mais facilidade.

Se possível, saia um pouco de casa e ande sem rumo

Eu simplesmente adoro andar. Eu não preciso fazer nada específico, simplesmente sair de casa e andar pelas ruas, ver os prédios, observar as plantas e as árvores já me deixam de bom humor. Para mim não há nada mais legal do que descobrir um detalhe novo numa rua por onde eu sempre passo. Eu não sei se é a endorfina liberada pela caminhada ou fato de estar ao ar livre, independentemente do que for, andar sempre me ajuda muito a lidar com o estresse e a frustração. 

Deixe o seu desenho “sair de férias”

Algumas vezes você já fez de tudo e o desenho parece não estar funcionando? Então, é hora de você dar “férias” para o seu desenho e começar outro projeto. Quando eu digo férias, eu me refiro a  deixar o seu desenho de lado por algumas semanas e depois voltar nele.  Isso já aconteceu algumas vezes comigo e eu acredito que faz parte do processo. Muitas vezes você tem uma ideia, mas ela ainda precisa de algumas engrenagens para poder se encaixar e formar um todo. Por isso, eu tenho uma pilha de desenhos que eu considero desenhos ativos. São desenhos que eu estou trabalhando e que ainda precisam de algum ajustes e de tempos em tempos, eu revejo toda a pilha. Algumas vezes eu esqueço de alguns desenhos em outras, eu vou direto num desenho específico que eu estava trabalhando antes. Sendo bem sincera, algumas vezes tudo o que você e o seu desenho precisam é de boas férias um do outro ;)

Ilustração Love Raccon

Saiba a hora de desistir, mas nunca descarte uma ideia por completo

Nos últimos meses eu estava obcecada em desenhar um guaxinim. Eu tentei várias ideias e rascunhos e nada parecia funcionar. Depois de xícaras de chá e alguns passeios, eu percebi que era hora de dar férias para o meu guaxinim e pensar em outra coisa. Mas dessa vez, ao retornar o desenho, nada funcionava. Então, eu fui olhar o meu caderninho de ideias e achei uma frase que dizia: Love Raccoon. Pronto! O desenho que não funcionava de jeito nenhum, simplesmente fluiu. A frase surgiu ao escutar o Álbum Branco dos Beatles, onde uma das faixas se chama Rocky Raccon. Enfim, essa frase está escrita no meu caderninho há muito tempo, esperando para virar um desenho e somente agora tudo fez sentido. Por isso, saiba a hora de desistir de um desenho, mas nunca descarte aquela ideia por completo. Eu anoto tudo num pequeno caderno encapado com tecido laranja. Mas você pode anotar no celular, em arquivos ou no que for mais conveniente para você. Por isso, nunca descarte as suas ideias. Muitas vezes ela só precisam de mais tempo para amadurecer.

Dica extra: Anote todas as ideias que você tem! Até mesmo as que parecem bobas ou sem sentido

Essa ideia eu aprendi assistindo a série Seinfeld. Para quem não conhece, Seinfeld é uma série sobre nada que mostra a vida de um comediante e seus amigos. Seinfeld, o comediante, anota todas as suas ideias para os seus shows num pequeno caderno. Desde que eu vi isso, eu achei uma boa ideia e passei a anotar as minha ideias num pequeno caderno. De tempos em tempos, eu foleio o caderno em busca de alguma inspiração e eu sempre me surpreendo com o que eu encontro anotado!

Resumindo

Frustração e erro fazem parte da vida de qualquer pessoa e também fazem parte da vida de um artista. Seja ele iniciante ou com anos de carreira, errar faz parte do caminho. O que eu quero dizer é que devemos aceitar a frustração e aprender a lidar com ela. Ela faz parte do processo e no final, ela irá te ajudar a fazer um trabalho ainda melhor.

Até a próxima,

Thaís

Eu e a arte digital: Como criar arte digital, Inkscape e as vantagens de fazer arte digital

Arte Digital Heart - Earth

Desde o final do ano passado, comecei a me aventurar no universo da arte digital. Por muito tempo, evitei seguir por esse caminho. Eu poderia listar uma série de fatores que me fizeram evitar fazer esse tipo de arte, mas, no fundo, eu só tinha receio de aprender algo completamente novo. O famoso medo do desconhecido.

Quando você está acostumado a usar instrumentos analógicos, digamos assim, e se aventura no mundo digital, tudo parece muito complicado. Mas, como qualquer nova experiência, depois do susto inicial, você começa a criar seu caminho e, aos poucos, tudo o que parecia assustador se torna familiar e até mesmo divertido.

Meu caminho na arte digital tem sido assim. Depois do primeiro susto, tenho adorado me aventurar por essa nova técnica. Eu digo técnica, pois, assim como aprender a desenhar com lápis ou nanquim, você precisa descobrir novas habilidades e, nesse ponto, a arte digital, para mim, é apenas mais uma técnica no meio de tantas outras possibilidades dentro do mundo da arte.

Inkscape

Para fazer arte digital, é necessário usar um programa, e tenho usado o Inkscape. Eu adoro o Inkscape! Em primeiro lugar, ele é um programa muito amigável e fácil de usar. Eu não tinha experiência com esse tipo de programa e comecei a usá-lo sem maiores dificuldades. Ele é super leve, então não precisa de um supercomputador para usá-lo. E o mais importante para mim é que ele é um programa totalmente free. Sem nenhuma taxa ou mensalidade, e com tantos aspectos positivos, não foi difícil me acostumar completamente com ele.

Desenho editado no Gimp pronto para ir para o Inkscape

Como eu crio arte digital

Tudo começa com o desenho no papel. Tenho uma ideia, procuro por imagens de referência e faço alguns rascunhos. Quando sinto que o desenho já tomou forma, é hora de passar a caneta (ink) no desenho. Depois de tudo pronto, escaneio o desenho e faço pequenas alterações usando o Gimp.

O Gimp é um programa de edição de imagem e, assim como o Inkscape, é um programa gratuito. Nele, retiro o fundo da imagem e reforço a cor do desenho, deixando o traço mais nítido. Ao usar alguma fonte, prefiro fazer o processo no Gimp e deixar a imagem pronta para o Inkscape.

Com a imagem pronta, chegou a hora da parte divertida! Vetorizar e colorir no Inkscape. Nele, transformo a imagem em vetor com uma ferramenta própria do Inkscape e, em seguida, começo o processo de colorir todo o desenho digitalmente.

Já fiz alguns desenhos em que vetorizei manualmente, mas gosto muito da ferramenta do Inkscape que permite criar um vetor a partir de um desenho pronto. Além da praticidade, gosto de ver meu traço no resultado final. Honestamente, para mim, esta foi a forma que me "encontrei" dentro da arte digital. Por muito tempo, relutei em aprender mais sobre a "técnica", pois não conseguia reconhecer meu traço no resultado final, mas dessa forma, encontrei uma maneira de fazer arte digital misturada ao desenho tradicional que tanto gosto.

Vantagens de fazer arte digital

Economicamente mais em conta

Uma das grandes vantagens para mim em fazer arte digital é o fator econômico. Passei a gastar muito menos com material de arte em geral. No mundo pós-pandemia e com preços cada vez mais altos, isso funcionou muito bem para mim. Às vezes, sinto falta da caneta e do papel? Sim. Mas é muito melhor ter material quando eu quiser do que precisar repor papel e canetas o tempo todo.

Pensar em arte de uma forma diferente

Fazer arte digital e arte em meio tradicional são duas coisas completamente diferentes. Enquanto fazer um desenho de forma tradicional flui de maneira mais orgânica, a arte digital exige uma abordagem mais mecânica, por assim dizer.

Colorir um desenho digitalmente envolve pensar nas cores que ficam nas camadas de baixo e, assim, pensar nas outras camadas e detalhes que ficarão na parte de cima do desenho. Isso foi algo que tive que aprender para não me sentir confusa no meio de mil camadas. Já tive que recomeçar desenhos, pois me perdi completamente durante o processo. Não vejo isso como algo ruim, pelo contrário. Pensar dessa forma ajuda-me a planejar o desenho como um todo, o que também é muito útil quando faço um desenho de forma tradicional.

Vetor começando a ganhar as primeiras cores

Vetores, meus melhores amigos

Faço arte para diversos sites. Isso significa uma única coisa: sites diferentes, tamanhos diferentes. Cada site aceita tamanhos distintos, e antes de fazer arte digitalmente, redimensionar cada desenho era um pequeno pesadelo. Mas com vetores, o céu é o limite! Isso facilitou muito meu trabalho, sem falar em ter imagens sem perda de qualidade o tempo todo, o que é uma maravilha!

A possibilidade de mudar de ideia e mudar de ideia de novo

Algo muito divertido na hora de criar arte digital é a possibilidade de mudar de ideia e mudar de ideia de novo. Posso pensar que um desenho funcionaria melhor com um tom de vermelho, mas no meio do processo, percebo que um tom de rosa ficaria muito melhor. Em vez de começar todo o processo desde o início, basta trocar a cor. E o melhor de tudo é que, se eu mudar a cor e achar que a cor original estava melhor, um clique resolve tudo. Tenho adorado essa possibilidade, e às vezes salvo mais de uma versão do mesmo desenho, com cores diferentes, por pura diversão.

Resumindo

Fazer arte digital tem sido uma grande descoberta para mim. Adoro pen e ink, e por anos desenhei praticamente em preto e branco. Criar arte digital abriu as portas para o mundo das cores para mim! Todo esse processo tem sido incrível. Sei que ainda tenho muito o que aprender, mas tenho adorado cada minuto!

Para quem quiser conhecer o Inkscape e o Gimp, vou deixar os links abaixo.

Até a próxima!

Thaís

Links:

    • Inkscape

    • Gimp